Claes Oldenburg a conquis une Amérique insouciante (et consumériste)

De tous les grands artistes pop américains, Claes Oldenburg est le seul né en Europe. Il était encore à l’école primaire lorsque son père, un diplomate suédois, a déménagé la famille dans ce pays. Ils se sont installés à Chicago, une ville qui a une histoire architecturale acclamée et qui s’appelle à juste titre le berceau du gratte-ciel.

Cela intéressait sans aucun doute Oldenburg, dont le travail possède l’incrédulité de l’étranger à l’échelle et à l’échelle américaines. Ses sculptures rappellent un moment de complaisance de l’ère Eisenhower, une époque où les Américains construisaient les bâtiments les plus hauts et conduisaient des voitures avec des ailerons et mangeaient de gros hamburgers riches en cholestérol recouverts de fromage au lieu de minuscules boulettes de viande suédoises – une période d’insouciance pour cette préoccupation. .sur les empreintes carbone ou une épidémie nationale d’obésité ont conduit à réévaluer la poursuite du plaisir.

Oldenburg, décédé lundi dans sa maison de Manhattan à l’âge de 93 ans, a révolutionné notre idée de ce que pourrait être un monument public. Au lieu de sculptures en bronze d’hommes à cheval ou de patriotes oubliés depuis longtemps debout sur un piédestal, la main sur le cœur, chantant à travers les âges, Oldenburg a rempli nos espaces publics d’objets imprégnés de nostalgie gonflés à des proportions absurdes. Il est intéressant de noter que tant de ses sujets sont tirés du domaine de la maison et des activités féminines traditionnelles. Sa sculpture d’un tube de rouge à lèvres ou d’une pelle de jardin, son “Clothespin” (une version en acier de 45 pieds de haut d’une pince à linge en bois dans le centre-ville de Philadelphie) ou, à proximité, sa sculpture “Split Button” (un lieu de rencontre populaire à l’Université de Pennsylvanie) – ils sont tous basés sur le type d’objets trouvés au fond du portefeuille de notre mère.

Idem pour “Typewriter Eraser, Scale X” (1999), dans le jardin de sculptures de la National Gallery of Art de Washington – un homme a-t-il déjà manipulé un tel objet ? La sculpture consiste en une version en acier inoxydable de vingt pieds d’une gomme vintage avec une petite brosse attachée, le genre préféré par une génération de secrétaires féminines qui ont tapé sur IBM Selectrics avant l’avènement des clés d’effacement informatiques. Incliné à l’envers, ses poils bleus disposés pour avoir l’air venteux, “Typewriter Eraser” reste un hommage puissant à l’effacement, un rappel que l’art n’est pas seulement ce que vous mettez, mais ce que vous en sortez.

En 1956, après avoir obtenu son diplôme de l’Université de Yale, Oldenburg s’installe à New York, arrivant à temps pour participer à un milieu bohème au bord de l’extinction. Sa carrière a commencé dans un esprit de zèle radical. Comme Jim Dine, l’un des derniers artistes pop restants, Oldenburg était un organisateur de “Happenings”, ces événements théâtraux mis en scène par des non-acteurs dans des non-théâtres. Les peintres costumés comptaient sur la participation du public pour les aider à atteindre leur objectif déclaré de démanteler la frontière entre l’art et la vie.

L’installation désormais historique d’Oldenburg, “The Store”, avait un titre carrément générique qui faisait référence au domaine de plus en plus commercialisé des galeries. Il a ouvert ses portes en décembre 1961 dans une vitrine louée au 107 East Second Street, et les visiteurs pouvaient acheter de la nourriture, des vêtements, des bijoux et d’autres articles – ou plutôt des reliefs en plâtre peints avec un aspect brut et froissé attachant. (L’un des articles de The Store, “Braselette”, une représentation caricaturale éclaboussée de peinture d’un corset de femme contre un rectangle rouge asymétrique, sera exposé vendredi à “New York : 1962-1964”, une importante exposition de recherche au Musée juif .)

La relique la plus mémorable de The Store est sans aucun doute “Pastry Case I” (1961-2), qui se trouve dans la collection permanente du Museum of Modern Art. Il s’agit d’une vitrine semblable à celle qui se trouvait autrefois sur le comptoir d’un restaurant. À l’intérieur, vous trouverez une large tranche de tarte aux myrtilles, une pomme confite et un sundae de crème glacée qui appartient probablement au congélateur, mais cela n’a pas d’importance. Laissez fondre ! Laissez couler ! Ce ne sont pas les desserts d’une Amérique gastronomique du 21e siècle qui excite les mini cupcakes de Baked by Melissa – mais plutôt de gros desserts amusants et bâclés qui sont assez gros pour être partagés avec votre rendez-vous.

Oldenburg n’a pas été le premier artiste à réaliser des sculptures d’objets du quotidien. Peu de temps avant l’ouverture de The Store, Jasper Johns avait fait passer la tradition de la nature morte dans la troisième dimension en exposant une sculpture en bronze peint de deux canettes de bière Ballantine, côte à côte, amenant les spectateurs à se demander s’il s’agissait de vraies boîtes ou d’objets artisanaux. Plutôt que de telles énigmes philosophiques, Oldenburg a poursuivi un programme pop classique dans le sens où ses sculptures sont inextricablement liées à leur identité en tant qu’objets de consommation. Il possédait une capacité unique à apporter une vie sculpturale, un sens de l’animation, à des sujets improbables.

Beaucoup de ses œuvres les plus fortes sont inimaginables sans la participation de sa première épouse, Patty Mucha, une artiste qui a joué dans ses Happenings et cousu ses soi-disant sculptures molles. Une exposition à la Green Gallery, en 1962, présentait un morceau de génoise géant, un cornet de crème glacée et un hamburger, le tout à peu près de la taille d’un canapé de salon et posé sur le sol. Elle et les sculptures douces qui ont suivi – une machine à écrire douce, un interrupteur de lumière douce – représentent son meilleur travail, je pense, en partie parce que leur présence pâteuse et grumeleuse semble liée au pathétique du corps humain.

Dans un mémoire inédit qu’elle a partagé avec moi, Mme Mucha décrit le rôle précis qu’elle a joué dans la création de l’œuvre de son mari. Par exemple, lors de la création de son Floor Burger (Giant Hamburger) de 1962, elle a apporté sa machine à coudre portable Singer à la Green Gallery, « qui est maintenant devenue notre studio. je dis nous studio parce qu’à cette époque toute la construction se faisait par couture – une technique que Claes avait peu de connaissances.

Elle poursuit : « La couture elle-même était un travail ardu. S’asseoir sur le sol et tirer la volumineuse masse de tissu à travers l’accélérateur de la machine à coudre portable était parfois presque physiquement impossible. L’aiguille s’est cassée; elle saignait sur les sculptures. Après les avoir cousus, Oldenburg l’a aidée à remplir les sculptures de mastic puis à les peindre.

Oldenburg a divorcé de Mme Mucha en 1970, après dix ans de mariage, et la vérité est que son art a perdu une partie de sa chaleur et de sa tendresse à ce moment-là. Au lieu de sculptures molles, avec leur poids hilarant et maladroit, il a commencé à faire des sculptures monumentales avec des surfaces en métal dur. Vous vous demandez peut-être s’il s’est senti coupable d’avoir abandonné sa première femme, qui a joué un si grand rôle dans ses premiers succès. Comme pour payer, il se met à honorer sa seconde épouse, Coosje van Bruggen, qui a été formée non pas comme artiste mais comme historienne de l’art, et dont le nom apparaîtra avec le sien sur toutes ses œuvres futures.

Contrairement à son compatriote pop star Andy Warhol, Oldenburg n’a jamais été un personnage public et son art était plus reconnaissable que lui. En tant que personnalité, il pouvait sembler sévère. La critique d’art Barbara Rose , qui a écrit le catalogue de sa rétrospective de 1969 au Museum of Modern Art , l’a décrit dans ses journaux comme “ressemblant à un comptable parcourant ses comptes – sobre et frugal”.

Tatyana Grosman, la fondatrice nourricière de la légendaire maison d’édition Universal Limited Art Editions, s’est souvenue une fois avoir été offensée quand Oldenburg avait refusé une suggestion de sa part, la réprimandant : “J’ai déjà une mère”.

Les champions d’Oldenburg soulignent qu’il était un dessinateur brillant et un penseur profond qui a fait de nombreux dessins intelligents pour des sculptures qui ne se sont jamais matérialisées (et il n’y a rien qui dit “intellectuel” comme un noble projet raté). En 1965, il a esquissé les plans d’un mémorial anti-guerre qui consistait en un mastodonte en béton portant les noms des morts à la guerre – et conçu pour bloquer en permanence la circulation sur Broadway et Canal Street. Mais je ne pense pas que cela polisse sa réputation. Il restera sans aucun doute dans les mémoires comme un artiste de premier plan et quelqu’un qui, comme son père ambassadeur, était une force pour la démocratie mondiale. Mais plus drôle.

Parfois, son travail était bon marché. Dans les années 1990, la boutique de cadeaux du Metropolitan Museum of Art a vendu le “NYC Pretzel” d’Oldenburg (1994), une version en carton de 6 pouces de hauteur de ces bretzels salés vendus aux coins des rues de New York. Je pense que je l’ai payé 50 $, et savoir qu’il faisait partie d’une édition ouverte (plutôt qu’une édition limitée) m’a fait l’aimer davantage. Il est toujours sur ma cheminée.

J’ai aussi acheté un autre Oldenburg plus petit – un morceau de gâteau sur une assiette à dessert blanche. La portion de tarte est une tige de plâtre peint de deux pouces, mais l’assiette est une vraie assiette, achetée par l’artiste dans un vrai magasin. Je dis cela pour que vous puissiez comprendre mon horreur quand j’ai ouvert mon lave-vaisselle un matin et réalisé que quelqu’un dans ma maison (qui restera anonyme) avait posé l’assiette Oldenburg pour la laver. Je l’ai sorti et l’assiette était encore chaude. Je l’ai retourné et j’ai haleté. La signature de l’artiste – “CO” écrite en noir – a été emportée.

Mais sinon, la pièce est restée aussi douce que jamais, et je considère que c’est un hommage à Oldenburg qu’il soit le seul artiste que je connaisse dont le travail puisse survivre au lave-vaisselle.

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